Biomimicry de Keisha Lopez en The Electric Shed
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En diciembre de 2025, Biomimicry, la exposición individual de Keisha Lopez en The Electric Shed, curada por David Onri Anderson, ofreció al público de Nashville mucho más que una experiencia visual. Propuso una manera de ver, crear y relacionarse que resistía la velocidad, la extracción y el aislamiento. A través de escultura, pintura e instalación, Lopez presentó el arte como una forma de escucha: hacia el mundo natural y hacia la memoria heredada.
Lopez, artista y terapeuta radicada en Nashville, concibe la biomímesis no como una imitación científica, sino como una relación ética. “La biomímesis, para mí, consiste en desacelerar”, explicó durante su charla como artista. “Convertirse en testigo de la naturaleza, en alguien que responde y que cuida”. En un momento cultural marcado por la precariedad ambiental y el agotamiento emocional, esta filosofía resultó a la vez urgente y silenciosamente radical.
A lo largo de la exposición, aparecían formas similares a plantas, suspendidas, superpuestas y atravesadas por espacios negativos. Estas abstracciones evocaban hojas tropicales, sistemas de raíces y estructuras celulares sin asentarse en una representación literal. Lopez las describe como “retratos propagados de la artista con ella misma en transformación”. Funcionaban como autorretratos emocionales y espirituales, cartografiando el crecimiento, la ruptura y la resiliencia a través del lenguaje material.
Una referencia visual recurrente era la hoja de monstera, cuyas perforaciones naturales inspiraron la comprensión de Lopez sobre la ausencia. “La hoja de monstera empieza entera y, a medida que crece, aparecen agujeros”, señaló. “Esos vacíos no están mal. Crean espacio para otros”. En su obra, la pérdida y la fragmentación no eran signos de daño, sino condiciones para la conexión. “La pérdida no nos hace menos”, añadió. “Nos hace más capaces de sostener la vida”.
El proceso de Lopez reforzaba esta filosofía. Muchas obras fueron moldeadas mediante un trabajo manual lento y repetitivo, utilizando mangas pasteleras y materiales recuperados. Esta técnica hacía referencia a prácticas domésticas y tradicionalmente femeninas, situándolas dentro de la abstracción contemporánea. “Usar mangas pasteleras conecta el trabajo de las mujeres con la abstracción contemporánea”, afirmó. “Es una reapropiación”. La sostenibilidad, en este contexto, se convertía en una extensión del cuidado más que en una elección estilística. “Salvar materiales del vertedero es un acto de reverencia”, enfatizó, “no solo de reutilización”.
Esta ética de reverencia también se extendía a la comprensión que Lopez tiene de la ancestralidad y la sanación. Tras descubrir su herencia maya, comenzó a reconocer cómo sus prácticas intuitivas se alineaban con el curanderismo y los sistemas de conocimiento indígena. “Ya estaba sanando antes de saber que era parte de mi herencia”, reflexionó. Su obra se convirtió en un proceso de recordar lo que la migración y la asimilación habían interrumpido. El estudio, para Lopez, funcionaba menos como un sitio de producción y más como un espacio ritual. “Mi trabajo está hecho cuidadosamente a mano, como un ritual. Ese cuidado es parte de la sanación”.
En ningún lugar fue más visible esta fusión entre arte, linaje y cuidado que en The Birth of a Curandera, una obra central creada mientras Lopez estaba embarazada y cuidaba a su madre moribunda. “Estaba dando vida y ayudando a que la vida transitara al mismo tiempo”, compartió. “La pintura tenía que contener ambas cosas”. La pieza funcionaba como un umbral entre comienzos y finales, posicionando el arte como un recipiente para el tránsito emocional y espiritual.
Una dimensión especialmente llamativa de Biomimicry fue su compromiso con la participación colectiva. En lugar de situar al público como observador pasivo, Lopez lo invitó a un proceso compartido de sanación. Esto fue más evidente en Seeds of Wisdom, una instalación interactiva pintada por su hija de tres años, Siena Lopez Zulfer.
La instalación pedía a los visitantes que tomaran una semilla y la plantaran junto a un mensaje escrito, una voz o una ofrenda de su yo más sabio, de un ser querido o de sus ancestros. Se invitaba a reflexionar sobre qué creencias, intenciones y formas de compasión deseaban cultivar en los años venideros. La consigna concluía: “Repite tantas veces como sea necesario”.
Involucrar a su hija en este proceso amplió el alcance temporal de la exposición. Seeds of Wisdom tendía puentes entre generaciones, situando la creatividad como herencia y como regalo. Sugería que la sanación no se limita a la biografía individual, sino que se despliega a lo largo de líneas familiares y comunitarias. La presencia de la mano de Siena en la instalación subrayaba la convicción de Lopez de que la creatividad se aprende mediante la observación y la participación, más que a través de la instrucción.
Durante su charla, Lopez enmarcó este elemento participativo como central en su práctica. “El arte es sanación ancestral”, afirmó. “¿Qué mensaje te dejarían tus ancestros?”. En este contexto, las contribuciones del público se convertían en actos de memoria y proyección, vinculando pasado, presente y futuro a través de la intención compartida.
Lopez también destacó la abstracción como un medio para acceder a estados interiores que resisten el lenguaje. “Estas obras son autorretratos”, explicó. “No de mi rostro, sino de cómo he cambiado”. Al rechazar la representación figurativa, abrió un espacio para que emergieran realidades emocionales, espirituales y ancestrales sin restricciones narrativas. “Quiero que la gente se pregunte: ‘¿Eso es pintura?’”, añadió. “Esa curiosidad abre la puerta a la reflexión”.
Lo que distinguió a Biomimicry no fue solo su coherencia visual, sino su consistencia ética. Cada elección material, cada proceso y cada gesto espacial reforzaban el compromiso de Lopez con el cuidado, la reciprocidad y la atención. La exposición sostenía que la sanación no es un acontecimiento, sino una práctica. Se despliega a través de la repetición, la escucha y la presencia relacional.
En una sociedad que a menudo convierte la sostenibilidad, el bienestar y la espiritualidad en tendencias comercializables, Lopez ofreció una alternativa basada en la experiencia vivida. Su obra insistía en que la reparación comienza con desacelerar: con notar cómo se desgarran las hojas, cómo el duelo y el nacimiento coexisten, cómo los niños aprenden a través del tacto y cómo los materiales descartados pueden convertirse en recipientes de significado.
Como espacio expositivo, The Electric Shed suele funcionar como un lugar de reverencia más que como espectáculo, lo que hizo que esta instalación fuera especialmente resonante. “La pieza se convirtió en un santuario”, dijo Lopez sobre The Birth of a Curandera. “Un río de vida que transporta comienzos y finales al mismo tiempo”. Esa descripción podría aplicarse a la exposición en su conjunto. Sostuvo un espacio para la vulnerabilidad, la memoria y la imaginación colectiva.
Al fusionar la práctica artística con la terapia, el ritual y la conciencia ecológica, Keisha Lopez posicionó la creatividad como una forma de custodia y responsabilidad. Su obra recordó al público que la sanación no es algo que se compra ni se perfecciona. Es algo que se cultiva lentamente: como semillas plantadas con intención, cuidadas con atención y transmitidas a través de las relaciones.
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Andrés Bustamante is a Sculptor and Public Artist born in Cali, Colombia, working in South Florida. Bustamante studied at Watkins College of Art in Nashville, TN followed by an experimental practice in sculpture. Selected solo exhibitions include “Reflexion” at Watkins College of Art in Nashville, TN in 2022. He has been awarded the Artist-To-Artist award at ArtPrize 2024 in Grand Rapids, Michigan. As well as having works in the permanent collection of MOCAN (Museum of Contemporary Art Nashville).His immigrant experience at a young age led him to existential questions about reality, and the abstract mystery of life. Embracing the abstraction in the human experience and ephemeral emotion. An attempt to say in shape, color, and material that for which the spoken language has no words for. Bustamante lives by the conviction that creativity is healing for humanity. He is passionate about community empowerment, mental health, and accessibility in the visual arts. To learn more about his mission and collect art visit andresbustm.com@andresbustm
