Entre Ser y No Ser: Un Archivo Colectivo de Memoria y Resiliencia
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The Browsing Room Gallery | 13 de septiembre – 25 de octubre de 2025
Cuando Entre Ser y No Ser cerró en The Browsing Room Gallery este octubre, la sala parecía vibrar con los ecos de lo que había ocurrido allí: rastros de voces, gestos y silencios que habían tomado forma a través de la arcilla, la pintura, la escultura y la figuración. La exposición había sido imaginada como un umbral, un espacio entre mundos donde la memoria y la imaginación pudieran encontrarse. En las semanas posteriores, me encontré regresando a las conversaciones silenciosas que se desarrollaron dentro de esas paredes y más allá, en las comunidades, los medios y la ciudad en general.
Desde el primer día, la galería se sintió viva con un ritmo no pronunciado—lento, deliberado, casi devocional. Los visitantes se movían suavemente, tomándose tiempo para absorber el peso de la textura, la calidez de la arcilla, la sutil fractura del pigmento. Las obras invitaban a escuchar. Cada pieza llevaba su propio latido, pero juntas formaban un pulso colectivo, un archivo viviente de desplazamiento, resiliencia y pertenencia.
Una de las piezas que me impactó, Maternidad de Ruben Torres, exploraba la fragilidad de la identidad a través de figuras abstractas abrazadas: una madre y un niño, recordando a los espectadores la crianza y el desarraigo. Los rostros y las formas se disolvían en lavados de color, para luego recomponerse a través de los gestos del pincel—revelando y ocultando, presentes y en flujo. En estas composiciones estratificadas, la memoria se comportaba como la luz a través del agua: refractada, cambiante, viva. Los visitantes a menudo permanecían ante ellas largos períodos, siguiendo cada fragmento como si ensamblaran su propio reflejo.
Al otro lado de la sala, paisajes abstractos se plegaban hacia adentro, convirtiéndose menos en geografía y más en terreno emocional y psicológico. Las pinceladas se curvaban y chocaban, sugiriendo rutas de migración, lechos de ríos o incluso líneas de pulso. Estas pinturas parecían sostener la tensión entre la vastedad y la intimidad, reflejando la experiencia de llevar muchos mundos dentro de un solo cuerpo. Invitaban a vagar, no hacia un destino, sino hacia el reconocimiento—un retorno a algo medio recordado y aún incompleto.
Las obras escultóricas traducían estos temas a forma física. La arcilla modelada a mano y el aluminio espejado plegado capturaban la emoción en movimiento—comprimida, expansiva, sin contención. Sus superficies llevaban la memoria de las manos, un registro de tacto y transformación. Los espectadores a menudo se acercaban instintivamente, recordando sus propias historias de migración ancestral. Cada forma hablaba de resistencia, de cómo los cuerpos recuerdan incluso cuando las palabras fallan.
Una vasija de arcilla de gran tamaño creada por César Pita fundamentó la exposición en la memoria táctil. La imperfecta simetría del recipiente y su cálido pátina cargaban con la labor del oficio ancestral. No era simplemente un objeto para contemplar, sino que sostenía presencia—un contenedor de supervivencia, del trabajo invisible que sostiene familias, historias y comunidades a través de la distancia. Estar junto a él hacía colapsar el tiempo: el gesto del creador reflejaba el gesto del antepasado.
Grandes pinturas abstractas, estratificadas con gestos y símbolos, se desplegaban como declaraciones públicas. Estas obras operaban como mapas colectivos, trazando tanto la memoria personal como la comunitaria. Las figuras emergían y se disolvían en campos de color, los gestos se entrelazaban con marcas abstractas que insinuaban lenguaje. Las paredes se convirtieron en archivos—espacios de visibilidad para historias demasiado a menudo invisibilizadas. La gente se detenía ante estas piezas, señalando la abstracción, trazando caminos con la mirada, contando sus propias historias en voz alta. Entre ellos, llamó la atención en particular sobre la inquietante experiencia del inmigrante en los tiempos modernos. é
La galería misma, modesta en escala, se transformó en una exhibición cohesionada e interconectada que fomentaba el movimiento y la contemplación. Como señaló The Nashville Scene, el diseño de la exposición la hacía sentir fluida, cada obra conversando con la siguiente a través del medio y del tema. Lo que comenzó como un esfuerzo de programación de último momento en The Browsing Room, parte de mi residencia artística en la Downtown Presbyterian Church, se convirtió en un espacio de profundo compromiso, donde el público podía encontrarse con la migración, la memoria y la resiliencia como experiencias vividas y encarnadas.
A lo largo de la exposición, las interacciones del público se convirtieron en parte de la obra misma. Los visitantes no solo observaban—participaban, compartían y reflexionaban. Cuando Telemundo invitó a una conversación sobre el propósito de la exposición, hablé sobre el acto de escuchar: cómo la exhibición no estaba diseñada para declarar respuestas, sino para crear un espacio para la empatía. La cobertura ayudó a que la obra llegara más allá del espacio físico de la galería, conectando con comunidades para quienes estas historias resonaban profundamente.
The Nashville Scene reconoció a Entre Ser y No Ser como Critics Pick, destacando la capacidad de la exposición para fusionar rigor estético con conciencia social. Su reseña la describió como “una conversación estratificada entre artistas y antepasados,” lo que se sintió profundamente verdadero para lo que queríamos lograr. Para una exposición enraizada en la experiencia de quienes viven entre mundos, ese reconocimiento significó que la conversación había llegado, en cierto sentido, a su hogar.
Al mirar atrás, los momentos más poderosos no fueron necesariamente los públicos. Ocurrieron en los intercambios silenciosos: un visitante susurrando a otro sobre la historia de migración de su madre, un grupo de estudiantes ponderando en silencio, un músico escuchando las notas silenciosas de himnos ancestrales. La exposición se convirtió en un lugar de encuentro—entre personas, memorias y emociones que rara vez comparten el mismo espacio.
El diálogo entre medios fue el corazón de esa experiencia. Las pinturas y los paisajes creaban espacio para que las figuras y esculturas respiraran; los recipientes anclaban lo que de otro modo podría haberse perdido. Cada obra reflejaba a la otra, y en su conjunto emergía algo más grande—una voz colectiva que trascendía el lenguaje. La exposición nunca estuvo destinada a presentar respuestas, sino a encarnar una pregunta: ¿Qué significa existir en el entre, llevar tanto la pérdida como la esperanza, persistir e imaginar?
En Nashville, una ciudad celebrada por su música, se sentía necesario construir un espacio que escuchara. Demasiadas veces, las narrativas de las comunidades inmigrantes y diásporas permanecen periféricas en la conversación cultural. Esta exposición buscó centrarlas, no como símbolos o temas, sino como presencias vivas que dan forma al tejido mismo de la ciudad. La respuesta—a través de los medios, la participación del público y el diálogo comunitario—afirmó la importancia de hacer visible y sostenible ese espacio.
Cuando las piezas finales fueron retiradas y la galería volvió a la quietud, los residuos de esas historias permanecieron en el aire. La exposición había terminado, pero su postimagen permanecía—en fotografías, en reseñas, en las palabras que la gente se llevó consigo. Entre Ser y No Ser se convirtió en lo que se propuso ser: un acto colectivo de recuerdo, una conversación a través del tiempo y la geografía, un registro de resiliencia como un acto continuo de devenir.
Curar esta exposición fue ser testigo del poder del arte para salvar distancias—entre personas, lenguas e historias. Me recordó que la resiliencia no es un triunfo estático sino una práctica viva, renovada cada vez que una mano modela arcilla, un pincel toca el lienzo o un espectador se detiene en reconocimiento. El éxito de la exposición, medido no solo por la cobertura o la asistencia, sino por la conexión, reside en cómo nos invitó a habitar, aunque fuera brevemente, el espacio entre ser y no ser—y a encontrar, dentro de ese espacio, el pulso de nuestra humanidad compartida.
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Andrés Bustamante is a Sculptor and Public Artist born in Cali, Colombia, working in South Florida. Bustamante studied at Watkins College of Art in Nashville, TN followed by an experimental practice in sculpture. Selected solo exhibitions include “Reflexion” at Watkins College of Art in Nashville, TN in 2022. He has been awarded the Artist-To-Artist award at ArtPrize 2024 in Grand Rapids, Michigan. As well as having works in the permanent collection of MOCAN (Museum of Contemporary Art Nashville).His immigrant experience at a young age led him to existential questions about reality, and the abstract mystery of life. Embracing the abstraction in the human experience and ephemeral emotion. An attempt to say in shape, color, and material that for which the spoken language has no words for. Bustamante lives by the conviction that creativity is healing for humanity. He is passionate about community empowerment, mental health, and accessibility in the visual arts. To learn more about his mission and collect art visit andresbustm.com@andresbustm
